Con esta actuación, que suponía la presentación en España de su nuevo trabajo titulado Mano a mano, Michel Camilo trajo a este precioso enclave un trozo del Caribe más auténtico. Hubo espacio para la bachata, el chachachá, el bolero, el merengue y, por supuesto, para el tumbao.

El concierto fue una auténtica pasada. Todo el mundo ovacionaba a los músicos, sobre todo a Michel Camilo y a Giovanni Hidalgo, ya que el contrabajo no sonaba a un volumen adecuado. De hecho, la única nota negativa que podríamos dar al concierto es la relacionada con el sonido, ya que el piano sonaba, en algunas ocasiones, un poco estridente (sobre todo, en los agudos) y el contrabajo tenía menos volumen del deseado.

De todas formas, esto no consiguió, ni de lejos, enturbiar el espectáculo que ofrecieron anoche estos músicos de primera categoría. Michel Camilo demostró, una vez más, sus habilidades técnicas y su amplio conocimiento de la armonía al poder improvisar con total facilidad sobre cualquier sonoridad y rearmonizar cualquier acorde. Eso acompañado de una percusión imparable e incansable que levantó al público en más de una ocasión.

Todos los temas que tocaron son de su primer trabajo que, como dije antes, se presentaban por primera vez en España y por tercera vez en todo el mundo, ya que antes de llegar al Portón lo habían presentado en la República Dominicana y en Estambul, según explicó Michel Camilo en el concierto.

El primer tema se titula Yes, y comentó que se llama de ese modo porque es una afirmación de sus propias raíces jazzísiticas y latinas. Le siguió una versión ‘blues tumbao’ del tema The Sidewinder de Lee Morgan. La integración del jazz y la música afrocubana estaba realizada a la perfección, esa es la principal baza del pianista dominicano.

Se respiraba un ambiente festivo entre el público, las ganas de bailar estaban a flor de piel y las ovaciones se repetían. Había un lleno absoluto en el auditorio, que se mostró totalmente receptivo a la música y jaleaba, en muchas ocasiones, a los músicos. Fue todo un espectáculo.

Siguiendo con el orden de los temas, tocaron una balada “llena de recuerdos” para Michel Camilo, titulada Then and now. Empezó con una introducción muy emotiva de Michael Bowie con el arco del contrabajo. Este tema tenía una sonoridad bastante oriental, también con notas frigias. El ambiente era mágico, porque a la música se sumaban las ranas croando que había en el estanque del parque y las luces que giraban hipnóticamente alrededor de los músicos.

Tras este precioso tema llegó el que da nombre al disco, Mano a mano, en el que Michel Camilo hizo el que fue, a mi juicio, el mejor solo de la noche. También el percusionista destacó, y sus manos ni se veían de lo rápido que estaba tocando. “¿Entienden ya el significado de mano a mano?”, preguntó al público Camilo.

Después de un bolero bachata y de un merengue llegó la esperada versión del tema Naima de John Coltrane. Los acordes largos y armónicos creaban un halo de misterio, que precedía a arpegios a velocidades disparatadas. A pesar de la dificultad de los ritmos nadie se iba del tempo.

A dos temas del final llegó un tema que recordaba bastante al famoso Caribe, también de Michel Camilo, y el último tema del programa oficial (según podríamos decir) fue bastante intenso a nivel rítmico, ya que los timbales no paraban de sonar, lo que creaba un bonito contraste con el ritmo lento de acordes que hacía Michel Camilo acompañado por Bowie. Cuando terminó, todo el mundo se puso en pie y pidió enérgicamente un bis, que llegó unos minutos después. Todo el público tocó las palmas y las ganas de bailar se podían notar en las personas que estaban alrededor. Era un ambiente festivo total, y el tumbao de Michel Camilo llenaba el aire de notas que nos llevaban a playas caribeñas. Además, la escenografía y la puesta en escena (el percusionista empezó a tocar de pie) fueron espectaculares.

Lo que resulta difícil de entender es cómo pude escuchar a una asistente decir: “esto parece música de Tom y Jerry, ha sonado mucho pumba pumba”. Incomprensible.

Artículo publicado originalmente en el periódico digital Málaga al Minuto (enlace aquí).

Acompañado por un grupo de músicos de alta categoría, dio un espectáculo en el Cervantes que los asistentes difícilmente podrán olvidar. A la guitarra eléctrica estaba el texano Rocky Athas; al bajo eléctrico, Greg Rzab, y a la batería, el voluminoso Jay Davenport. Los tres unos músicos espléndidos dignos de acompañar a uno de los máximos exponentes de la historia del blues blanco, aunque me atrevería a decir que del blues en general.

A la calidad de los músicos se sumaba la sonoridad del teatro. Su acústica parece estar calculada al milímetro para que a cada rincón del auditorio lleguen los sonidos en óptimas condiciones. Todos los elementos estaban dispuestos para ofrecer un gran espectáculo.

El concierto empezó con Mayall saliendo solo, y sin protección, a un escenario donde solo reposaban los instrumentos, esperando que los músicos hicieran magia con ellos. Y, al grito de “Are you ready for the blues?” (¿estáis listos para el blues?) empezó a tocar su armónica.

Y a ese tema en solitario le siguieron otros diez, sin contar el bis que tocaron cuando todo el Cervantes, al unísono, pedía que el concierto no terminara, y tocaron el ‘Slow Blues’ denominado Blues for the lost days. En ese tema, y pido perdón por adelantar acontecimientos, el guitarrista hizo un solo totalmente rockero acompañado por la banda que estuvo, durante todo el espectáculo, totalmente compacta y compenetrada.

En el segundo tema tuvo tiempo de hacer mención a los Bluesbreakers y a Eric Clapton, y le siguió el tema Oh pretty woman, en el que Mayall y Athas tuvieron una bonita conversación con sus instrumentos.

John Mayall, además de tener una voz perfecta para el blues, con una facilidad envidiable para crear matices, tocó el teclado Roland que tenía en el escenario como un bluesman total. Sus capacidades vocales quedaron ampliamente demostradas cuando hizo un scat, típico de las grandes damas de la canción en el jazz y el blues, en The sum of something, de su último disco, Tough, que presentaba en el concierto. Y de cómo toca la armónica creo que poco hay que decir que no se sepa ya.

Aún no he hecho mención del bajista y el baterista, pero no por ello dejaron de impresionar a un servidor y al público. Rzab, infatigable, faenaba en sus ‘walking bass’ de los temas con más swing, e hizo dos solos que hicieron que el público no dudara un segundo en aplaudir. De hecho, creo que Rzab fue quien se llevó los aplausos más sonoros. En el tema Chicago life, hizo un solo alucinante con slap incluido, y fue uno de los más rockeros de la noche.

Como última nota del bajista, me recordó respecto a su forma de tocar el bajo a nivel expresivo y de digitación al mejor maestro del bajo eléctrico, Jaco Pastorius, pero esto es una impresión personal.

Por su parte, el baterista, Jay Davenport, mostró unas tablas excelentes y, aunque no destacó por hacer continuos solos, lo hizo por su profesionalidad e innovación con los ritmos. Tiene buen swing y es capaz de jugar con la intensidad a su antojo.

En definitiva, ha sido un concierto espectacular, y cualquiera de las personas que ha estado puede confirmarlo. Además, en él se podía observar claramente la historia del blues, desde sus comienzos hasta en lo que desembocó: en el rock & roll.

Artículo publicado originalmente para el periódico digital Málaga al Minuto (enlace aquí)

El primer tema parecía anunciar cómo sería, en líneas generales el concierto. Pero me volví a equivocar como lo hice con el plato del señor Smith. El primer tema fue totalmente experimental. Sobre todo, introdujeron muchos sonidos nuevos con la batería, como arrastrar la punta de la baqueta por los platillos, o con la batería electrónica pequeña que tenía a su izquierda Ches Smith. Lo que más me gustó es que todo lo que hacían tenía muchísimo sentido, ya que muchas veces los que hacen ‘experimentación’ parece que tocan notas al azar.

Hasta ahora no he nombrado a Marc Ribot, excelente guitarrista (muchos lo recordaréis como acompañante de Tom Waits en algunas giras o en el disco Rain dogs). Ribot, a pesar de tener un nivel técnico impresionante y una sensibilidad abrumadora, no quiso alardear de sus capacidades, y no fue un protagonista exclusivo del combo, en el que se podría decir que tenía más protagonismo el baterista.

Ches Smith se encargó toda la noche de hacer ritmos imposibles, y de dar un nivel de intensidad al concierto de la categoría de los mejores conciertos de rock. Y eso que, supuestamente, era un concierto de jazz. Pero creo que eso poco importó a los asistentes, ya que todos sabíamos que íbamos a escuchar mucha experimentación, sonidos nuevos y, con suerte, rock and roll. Y hubo mucho rock, para sorpresa de algunos (entre ellos yo mismo).

El bajista pakistaní Shahzad Ismaily, con sus pies descalzos, fue un auténtico héroe. Mientras Ribot improvisaba y Smith hacía ritmos imposibles que se iban totalmente del tema, era el único que mantenía el ritmo del tema que tocaban. Y os aseguro que tuvo que concentrarse mucho para hacerlo. Los que estuvieron allí lo saben. Lo mejor de este trío es que siempre volvían, perfectamente, al punto de partida.

Uno de los temas que es necesario destacar es la versión del tema Take Five, de Paul Desmond. Se creó un contraste espectacular entre el rock duro del tema anterior con este tema puramente jazzístico, en el que la banda demostró que se puede enfrentar al jazz, al rock y a todo tipo de ritmos y salir indemne. Pero es que, además, en el tema anterior hicieron un contraste entre la suavidad de la guitarra y la dureza de la batería para dar paso al rock bastante duro que precedió a Take Five. Una auténtica pasada.

El final del concierto, por si el público no había disfrutado suficiente con, por ejemplo, la adaptación al blues de Stop me, tocaron como bis (después de que el público aplaudiera sin descanso durante los minutos que los músicos se fueron del escenario, Wind cries Mary, de Jimi Hendrix. Esto lo pudimos adivinar por la letra, porque era una versión totalmente libre y en la que no se dejaba entrever la armonía de la composición de Hendrix. En este tema entraron en éxtasis y empezaron a atentar contra los objetos que había dispuestos en el escenario. Pudimos ver cómo el baterista daba una patada a uno de los altavoces que tenía alrededor (aunque eso no sorprendió, ya que las baquetas volaban por el escenario cuando las rompía), o a Ribot pegando otra patada de Ribot a su atril o un puñetazo a su micrófono.

Aunque todo el público se puso en pie tras este tema, la banda se marchó, aunque apareció Shahzad para ofrecer al público el disco del grupo en el que versionan bandas sonoras de películas, Silent Movies, del que interpretaron un tema.

Ficha: Marc Ribot (guitarra, voz); Ches Smith (batería, percusión, electrónica, sintetizador); Shahzad Ismaily (bajo eléctrico, percusión).

Crónica publicada en Málaga al Minuto.

Como ya dije, ando algo liado, así que voy a limitarme a poner vídeos de vez en cuando que me gusten por algún motivo. Este, estoy seguro que lo vais a disfrutar mucho. Y a quienes no conozcan la obra de Melford o de Crispell, les invito a que lo haga.

Posdata: últimamente ando muy liado, este es el motivo por el que no estoy escribiendo casi nada. Pido disculpas por ello, ¡un saludo!

Bueno, Disney tienen más películas en las que el jazz tiene cierta importancia. La primera que me viene a la mente es 101 Dálmatas, en la que el dueño del perro es compositor de jazz. Las bandas sonoras de las películas de Disney, y también las de Pixar, suelen utilizar bastante este género musical. En fin, voy ya al tema.

Hace un rato estaba en casa y quería llamar por teléfono, y decidí salir fuera porque hacía buena temperatura. Mientras estaba en ello, vi que un gato estaba mirándome en el parque donde estaba hablando. Me llamó la atención porque no se movía, y parecía estar bastante tranquilo. Decidí acercarme mientras estaba todavía al teléfono, y el gato empezó a andar alrededor mío. Esto me sorprendió todavía más, porque sé que estos animales son bastante ariscos. Además, tengo un perro y su olor no pareció provocarle desconfianza alguna.

Cuando terminé la llamada, en mi asombro, intenté tocar al gato porque parecía estar limpio (estaba impoluto). Esto no sé si es apropiado hacerlo, porque podría arañarme o morderme y transmitirme alguna enfermedad, pero, no sé, el gato parecía inofensivo. Al fin, le acaricié y pareció estar muy a gusto. Creo que tenía más miedo yo que él (o ella), porque a los gatos (al igual que a los pechos grandes de mujer) les tengo cierto respeto. Al final el gato terminó, no sé cómo, sentado al lado mía en la puerta de mi casa ronroneando mientras le acariciaba. Se subió encima mía, se tumbó a mis piernas y estuvo bastante tiempo al lado mío.

Yo estaba empezando a cogerle cariño al gato, pero no podía quedármelo porque, como he dicho antes, tengo un perro. Además, mi perro es bastante posesivo. Así que no sabía muy bien cómo separarme de él. Lo que yo no había pensado es que ese era un gato jazz, un alma libre, al que yo importaba bastante poco. En cuanto vio a otro de sus colegas me miró, estuvo unos largos segundos con la vista fija en mí, y se fue por ahí a seguir vagando por las calles.

Nota: esta entrada la escribí originalmente para mi blog personal, Frases Completas, pero la he copiado aquí por motivos obvios.

El disco está muy bien, lo adornan dos anécdotas de carácter bien humano. En la documentación del disco se explica que el trío había ensayado unos temas antes del set, pero en la actuación Getz de repente anunció al público un blues (Stan’s Blues) que no había ensayado con el trío. Parece que Bill Evans hizo un gesto de “cago en la puta, no me lo puedo creer, ahora por donde me sale este jodido”, y en el disco se oye que toca dos o tres desganadísimos compases y luego pasa olímpicamente de tocar, y Eddie Gomez y Marty Morell siguen, pelín desconcertados pero muy profesionales, lo de Getz sin que Evans, en huelga de brazos caídos, toque una sola nota más en todo el blues. Cuando Getz se da cuenta que Evans jamás entrará en este tema aguanta el tipo, y poco a poco se larga un blues de sombrero. El otro detalle del CD es que en uno de los tracks que fue grabado en Holanda, pocos días después de este incidente, Getz felicita con voz bien alta, en el escenario, a Bill Evans por su cumpleaños, y a continuación toca un improvisado Happy Birthday To You a pelo. Parece pedirle perdón por lo del otro concierto.

¿No os parecen unas anécdotas preciosas? Esto solo pasa en el Jazz. Si queréis continuar leyendo la crítica (esto es solo un extracto), haced click aquí. Para escuchar el tema en Spotify, click aquí.

Hace unas semanas me llegó el nuevo disco de Apolo Bass: Tierras Lejanas. Salió hace no mucho tiempo, y me dispongo a dar algunas pinceladas sobre él. Antes de comentar nada, debo agradecer a su agente que me tuviera en cuenta para hacer una crítica del disco.

Vamos al tema. Apolo Bass nació en el año 1965 en Camerún. Como habéis podido deducir los que no lo conozcáis, toca el bajo (el eléctrico, concretamente). Los observadores también os habéis dado cuenta de que guarda cierta similitud espacio-temporal con Richard Bona, ya que solo se llevan 2 años y ambos son cameruneses. Aún así, muchas cosas los diferencian, aunque de eso ya hablaremos luego. Vive en España desde 1991, y compagina su labor musical con la de médico naturalista. Es una combinación un tanto extraña pero, oye, cada uno tiene sus cosas. Este es su tercer disco (y el primero que yo he escuchado de él). Después de estas pequeñas notas biográficas para que nos situemos, vamos a hablar de Tierras Lejanas.

Este disco se presenta bajo el sello Bass Evolution Production que, si no me equivoco, consiste en una autoproducción. Consiste en un cd+dvd. En el dvd se puede ver un videoclip, una entrevista a Apolo Bass, el reportaje de la grabación del disco y varios extractos de los solos de Apolo Bass. Como visteis en la presentación del personal, son muchos músicos interesantes a nivel nacional y, algunos, a nivel internacional. Destacaría la actuación de Sacri Delfino a la guitarra, la de Gito Maleta al piano y la del propio bajista, aunque todos los músicos son muy buenos.

Carátula de Tierras Lejanas

La primera escucha del disco no me supo del todo bien. El lado positivo lo puso el propio disco: las composiciones originales del bajista me gustaron casi en su totalidad. De hecho, todas las pistas son de la autoría de Apolo Bass, excepto el corte 14, que es Autumn Leaves. Pero el punto agrio lo puso que, mientras escuchaba el disco, leía información de Apolo Bass y me encontré con la siguiente frase en su página Web: “The best african Jazz bass player new disc is already available! Tierras Lejanas”. Esta humildad me puso los pelos como escarpias. Eso de ser el mejor bajista africano de jazz es algo muy subjetivo, pero más aún si tienes por delante a la bestia que mencionábamos antes, Richard Bona. Esto me resultó muy desagradable, pero entenderé que no es más que una estrategia de marketing, malísima en mi opinión, pero al fin y al cabo solo eso.

Las pistas del disco son las siguientes:

1. Victory
2. Madrid Jazz
3. Etnoblues
4. Tierras lejanas
5. Miracle
6. Stop Injustice
7. Chromatic Day
8. Grand Mère Marcelline
9. Alice de Bafoussan
10. All Rhythms Together
11. Makossando
12. Yaundé Jazz
13. Promenade de l´été
14. Autumn leaves
15. Caminando

En el álbum hay mucho de Jazz, pero sobre todo de fusión. El propio Apolo Bass declaró en una entrevista al diario 20 Minutos que su fusión “es la única en su estilo ahora mismo. Fusionamos la música africana con jazz, ritmos latinos y a veces hasta flamenco. Yo lo llamo african jazz fusion. Así, más que poner límites a lo que hacemos, definimos exactamente lo que no hacemos”. Él mismo ha explicado qué música hacen, así que no lo voy a hacer yo. Por cierto, también discrepo en que sea la única que se hace. Me quedo con el tema que da título al disco, Tierras Lejanas, por su bajo (que entra hasta las entrañas) y por la intervención final del piano, y Caminando, el que cierra el disco. Esto este tremendamente subjetivo, así que cada uno elija el que más le guste.

En definitiva, a nivel musical y de composición, el disco está muy bien. Tiene muchas buenas colaboraciones y es una buena ocasión para conocer a este bajista que está tomando cierto reconocimiento a nivel nacional gracias a las múltiples entrevistas que le han hecho algunos medios de comunicación y su aparición por algunos festivales. Esto enriquece el panorama musical autóctono. En España hay muy buenos músicos que no tienen la oportunidad de aparecer por nuestros propios festivales de Jazz, que es donde deberían tener cabida para presentar su trabajo.

Pregunta. ¿Por qué la big band es ‘insostenible’?

Respuesta. Es una de las pocas aportaciones en las que la producción artística influyó. Es insostenible porque, en principio, es una idea imposible de mantener. Y más en una ciudad como Málaga, donde incluso las formaciones de pocas personas  son difíciles de mantener. Fui a ver la banda por invitación de Antonio y, cuando vi que no tenían nombre todavía y el proyecto en el que se metía, me pareció que el nombre más adecuado era el de ‘La Insostenible’. Si es difícil hacer que cuatro personas se mantengan en un grupo de jazz, imagínate 25. Ya llevamos cinco años, y que sigamos ahí es una especie de milagro.

P. Pero parece que cada vez va a mejor, ¿no?

R. Da la sensación (risas). El resultado de estos cinco años lo hemos tenido ahora en el Teatro Echegaray. Creo que todo el mundo ha quedado satisfecho, tanto el público como nosotros. Esa actuación ha compensado todas las fatigas y malos ratos de estos cinco años.

P. ¿De dónde surge la banda?

R. Esto fue una asignatura optativa que se creó en el curso 2004/2005 en el Conservatorio Profesional Manuel Carra de Málaga. Se dio la circunstancia de que había un buen material de alumnos. Dos años después, cuando estos chicos se fueron, no pude hacer nada con la asignatura. En definitiva, fue una generación muy buena. De hecho, están casi todos ahora en La Insostenible. Además, tuvimos el apoyo de Nacho desde el primer momento y de otro profesor del Carra, Chema Rivas. Tuvimos que buscar en el exterior un baterista, Juan Fernández Pinto, que sigue con nosotros aparte de Paco, que era el becario y ahora está con nosotros. Se ha hecho un bicharraco el tío. Bueno, como el material era estupendo y teníamos una serie de inquietudes que queríamos aprovechar fuera del conservatorio, decidimos crear una banda. Eso tiró para adelante e hicimos algunas actuaciones. Teníamos posibilidades y ganas. Y aquí estamos, en cinco años nunca nos ha faltado faena.

P. ¿Qué tipo de personas integran la big band? ¿Se dedican a la música?

R. La mayoría lo intentamos. Los mayores casi todos lo hemos conseguido y los jóvenes tienen sus estudios musicales. El 75% de la banda está haciendo estudios superiores de música, el resto de los chicos tiene, como mínimo, el grado profesional terminado. Los mayores vivimos de la enseñanza y, antes de estar en el conservatorio, hemos vivido de la música.

P. ¿Cuáles son las influencias jazzísticas de las que se nutre la banda?

R. No creo que estemos influidos por nadie. Buscamos temas que nos gusten y los hacemos. Vamos buscando un repertorio, sobre todo de swing, más que de jazz puro. Sobre todo de las bandas tradicionales del swing, de los años 40 o 50. Los temas antiguos, de los primeros momentos de las big band, no tenían tanta exigencia de calidad. Son temas muy divertidos de tocar, que reúnen muchas cualidades. Ese momento que tienen las big bands, justo en el paso del charleston, el swing y el ragtime, es muy interesante, y permite a una big band coger un tema y disfrutar mucho tocándolo. Es muy divertido tanto para el que toca como para el que escucha. Además, hay pocas bandas que se dediquen a este repertorio tan específico. Un día, tocando en una celebración, resultó que la familia de los contrayentes eran apasionados del jazz antiguo, y estuvieron todo el rato pegados a nosotros pidiéndonos versiones y tal. Empezamos a tocar My heart belongs to daddy y vino uno y dijo: “de Peggy Lee”. Fue muy bonito para nosotros (risas). Es que esas versiones tan antiguas ya no se pueden escuchar, porque las big bands también buscan demostrar su virtuosismo, pero los temas de los primeros tiempos son divertidísimos.

P. La verdad es que vuestros conciertos se hacen muy amenos

Hemos ido a muchos conciertos de jazz, y sabemos que los temas duran unos 10 minutos. Nuestros temas son de 3 o 4 minutos, y cuando termina viene otro distinto. Así no se hace larga la hora u hora y media de concierto. Por otra parte, hay que decir que muchas veces la música evoluciona volviéndose más compleja, con un mensaje muy sofisticado, que termina siendo, en muchos casos, música para músicos o para oyentes con alma de músico. Nosotros cubrimos otro hueco, la época del jazz en la que era una música al servicio del público y también al servicio de la diversión. Son las raíces auténticas del jazz.

P. ¿Cómo consiguieron producir el primer disco?

R. En 2007 ya teníamos unos años de conciertos, y tuvimos la idea de grabar un disco. Lo autoproducimos nosotros. Jesús se encargó de la producción del disco, casi artesanalmente hicimos la mezcla y todo eso. Es una producción nuestra. Hacer un disco de big band es muy complicado, y más sin recursos. El disco no está en circuitos comerciales, lo vendemos nosotros. Utilizamos el disco como medio de promoción. Lo que queremos son nuestros conciertos, que nos contraten para dar conciertos y disfrutar de ellos. Hemos vendido muchos discos, pero lo nuestro son las actuaciones.

P. ¿Para cuándo un segundo disco?

R. Para cuando se pueda. A ver si el año que viene puede caer. Tenemos que dar con un repertorio que vaya en otra línea a la que ya teníamos, que la complemente. Este que tenemos es un clásico (In the Mood, American Patrol…), y este tendría que ser algo diferente, no en la expresión, sino con un repertorio más seleccionado y menos conocido. Queremos que el disco impacte como algo nuevo. Buscamos profundizar en las sonoridades antiguas, y para ese disco no nos limitaremos a tocar temas antiguos a nuestro aire, sino  que queremos aportar tres o cuatro temas antiguos con instrumentación de big band. Temas que nunca han sido tocados por big band y hacer nosotros la propia producción de algún ragtime o charleston. Ya lo tenemos bastante desarrollado, pero somos muy supersticiosos y no nos gusta hablar del tema. Con esto podremos ofrecer a otras bandas material nuevo. Estamos en ello.

P. ¿Es difícil conseguir conciertos en Málaga?

Nosotros no paramos porque también trabajamos en fiestas privadas, que no se ofrecen a un público abierto. Pero acabamos de dar un concierto en el Teatro Echegaray, hace un par de meses estuvimos en el Teatro Cervantes. Estamos yendo a los sitios de Málaga donde no pensábamos estar hace unos meses. Hemos actuado en dos festivales de Jazz (Málaga y Mijas). Quizá el que no nos conozcan en muchos sitios se debe a la propia trayectoria de la banda.

P. ¿A qué se refiere?

R. En sus primeros tiempos, la banda ha sido un grupo claramente pedagógico. Tocábamos en institutos, conciertos didácticos, exhibiciones de jazz para niños, colaboramos con muchas ONG, etc. Para nosotros, lo primero es que esto sea un buen proyecto pedagógico. Durante mucho tiempo nos hemos basado eso, pero el producto ha empezado a tener calidad y nos han querido contratar aparte de nuestra labor pedagógica. Además, la formación musical es muy importante. Cuando tenemos que hacer algún recambio buscamos a gente muy joven, y los formamos con nosotros. Al concierto del Echegaray vinieron antiguos componentes, que siguen considerando la banda como algo suyo. Uno de los últimos componentes que hemos metido en la banda es un jubilado. Esta es la excepción que confirma la regla (risas). Está el tío más contento que nadie. La verdad es que se forma una comunidad muy agradable.

P. ¿Cómo valoran la situación actual del jazz en la ciudad?

R. Cuando hay una época de dificultades económicas, de lo primero que se recorta es de la cultura y, sobre todo, de la música. Aparte, Málaga no tiene mucha tradición de jazz a nivel de sitios para poder tocar. La ciudad vive mucho de lo que organizan instituciones: el festival de Jazz durante una semana y cosillas sueltas que salen, pero son contadas. Intentamos acceder al jazz en la ciudad en el poco circuito que existe. De todas formas, vivir del jazz en Málaga es algo casi imposible. Probablemente no vive nadie de él en Málaga. Tienes que tener algo más aparte de las actuaciones, que dan una gran satisfacción personal, pero no te permiten vivir exclusivamente de eso. Muchos músicos brillantes de Málaga han tenido que ir  a Madrid o Barcelona porque aquí no hay grandes posibilidades.

P. ¿Cuándo volverán a actuar por Málaga?

R. El día 23 de diciembre vamos a la plaza de la Constitución, en un proyecto conjunto con la escuela de jazz que tenemos con los niños. Ellos harán una primera parte y nosotros la segunda. En ese proyecto estamos los mayores de La Insostenible, y formamos a chavales desde los 9 años hasta los 18. Están aprendiendo un poco de técnica, la expresión del swing, escalas de improvisación. Están haciendo temas de big band facilitos. Llevarán siete u ocho temas a la plaza de la Constitución.

P. ¿Y qué planes tienen para el próximo año?

R. Para el año que viene pretendemos grabar el disco y lo que vaya saliendo. Este último trimestre nos ha venido muy cargado de cosas. Hemos estado centrados en eso, y a largo plazo no hemos podido mirar nada. A principios de año ya veremos.